Tag:

arte

Architecture Design Green Lifestyle Travel

FUTURE FARMING

Il tema della mostra che Rem Koolhaas curerà al Guggenheim di New York nel 2019, propone alimenti alternativi e pratiche partecipative che mettono in evidenza le implicazioni etiche e ambientali legate alla coltivazione e al consumo del cibo

Giostra FICO – Design by Carlo Ratti Associati

L’agricoltura è responsabile per il 40% delle emissioni di gas serra prodotte dall’uomo, metà delle quali proviene dall’allevamento di bestiame. La deforestazione, la lavorazione del terreno e l’utilizzo intensivo a pascolo favoriscono l’emissione di carbonio anche dalle piante e dalla biomassa. E se nel 2050 la popolazione mondiale è stimata in 9,2 miliardi di persone, la ricerca di un modo più ecologico, etico ed efficiente di nutrire gli uomini non è più procrastinabile. Sono sempre più numerosi i designer che si interrogano su questi temi in modo più o meno speculativo, con la finalità di proporre scenari alternativi ‘dal basso’, consapevoli che è da ecosistemi fuori rete e autosufficienti che si può innescare il cambiamento. La food designer olandese Marije Vogelzang, curatrice della Embassy of Food alla scorsa Dutch Design Week, sostiene: “La maggior parte delle persone immagina che il futuro sia determinato soltanto da potenze superiori: governo, politici o corporazioni. Mentre la nostra cultura gastronomica, attivamente ricreata ogni giorno, è realizzata dalle singole persone. I designer non salveranno il mondo, ma possono essere connettori creativi che interrompono l’attuale sistema alimentare, incoraggiando il cambiamento nei comportamenti e presentando alternative”. Tra le prime iniziative sviluppate in questo senso la conferenza Protofarm 2050 di Design Indaba del 2009, dove il duo Dunne & Raby ha presentato il progetto Foragers: una serie di strumenti indossabili, capaci di estrarre valore nutrizionale da materia organica solitamente non commestibile, unendo fondamenti di biologia sintetica a nuovi dispositivi elettronici e meccanici. Un’analoga ricerca sperimentale è oggi condotta da The Centre for Genomic Gastronomy, un gruppo di esperti, guidato da artisti, che esamina le biotecnologie e la biodiversità dei sistemi alimentari umani. Solo il 2% della superficie del mondo è costituito da città, dove vive il 50% della popolazione globale. Ma in che modo si è evoluto il paesaggio non urbano in quest’epoca dominata dall’intervento dell’uomo? Se lo domanda Rem Koolhaas con AMO, il think tank dello studio OMA da lui capitanato, che nell’autunno 2019 occuperà l’intero spazio del museo Solomon R. Guggenheim di New York con la mostra “Countryside: Future of the World”. Nel tentativo di riconnettere l’‘uomo urbano’ con l’agricoltura, Carlo Ratti Associati ha realizzato una serra idroponica condivisa per FICO Eataly World a Bologna. Ciascun visitatore può piantare un seme nella serra e controllarne la crescita grazie a un’app connessa a una serie di sensori che registrano lo stato di germogliazione. Ci prova l’orto su chiatta di Mary Mattingly a Concrete Plant Park, Bronx River, New York City. Swale – così si chiama la floating food forest ci chiede di riconsiderare i nostri sistemi alimentari, di pensare al cibo come a un diritto umano e di cercare modi per creare cibo pubblico nello spazio pubblico. Saremo entomofagi nel prossimo avvenire? L’organizzazione no-profit danese Nordic Food Lab dimostra che mangiare insetti è più vicino alla nostra cultura alimentare di quanto si pensi, ma anche una scelta di biodiversità che può attivare processi di sostenibilità alimentare globale, considerando l’aumento del fabbisogno alimentare del 70% previsto nel 2050 (statistica FAO). Studio H, un gruppo di food designer di Cape Town (Sudafrica), ha presentato il progetto di una dispensa alimentare in collaborazione con l’olandese Salt Farm Texel che, negli ultimi dieci anni, ha realizzato colture di ortaggi irrigati con acqua di mare. Con Plant15, la designer olandese Doreen Westphal ha proposto salsicce vegetali ricavate dagli scarti dei funghi ostrica coltivati in Olanda, massimizzando l’industria locale. Analogamente, la diplomata ECAL Carolien Niebling ha progettato, in collaborazione con lo chef Gabriel Serero di Losanna, le salsicce del futuro contenenti poche proteine da bestiame, evidenziando i modi con cui tale alimento, storicamente radicato nella cultura di molti Paesi europei, è confezionato.

La produzione del cibo è da sempre una questione di design.

26 Marzo 2018 0 commenti

Architecture Design Green Travel

Una piccola architettura a Seoul

l chiosco di IaN+ addolcisce lo spazio pubblico di fianco alla mole titanica del centro culturale di Zaha Hadid. Lo studio romano IaN+ ha realizzato un piccolo chiosco localizzato nello spazio pubblico prospiciente il Dongdaemun Design Plaza, il gigantesco centro culturale realizzato da Zaha Hadid a Seoul, con l’obiettivo di generare un nuovo polo urbano, al cuore di un’area tradizionalmente legata all’industria della moda.

Le vaste superfici vuote che circondano il centro mancavano di elementi che potessero mediare tra la grande scala del progetto della Hadid, pensato soprattutto per essere vissuto all’interno, e i flussi dei pedoni che incessantemente attraversano il quartiere. Il chiosco, che è concepito come il primo prototipo di una serie più numerosa di edifici minuscoli assemblabili liberamente tra loro, è un piccolo scrigno che concentra diverse possibilità. Giocando sulla pianta triangolare, l’interno coperto di soli 10 metri quadrati al quale si accede da uno dei vertici può contenere un’attività commerciale o un centro informazioni.

Il rivestimento di legno lamellare offre un’atmosfera più intima e accogliente della durezza cristallina dell’esterno. Sulla parte esterna del lato opposto al vertice d’accesso è ricavata una nicchia, anch’essa rivestita in legno e fornita di sedute pubbliche, che nello scenario ideale della moltiplicazione di questi elementi concorrerebbero alla creazione di nuovi spazi pubblici. Il rivestimento di legno lamellare è utilizzato da IaN+ all’interno ma anche in una nicchia esterna del chiosco di Seoul. Il rivestimento di legno lamellare è utilizzato da IaN+ all’interno ma anche in una nicchia esterna del chiosco di Seoul. Giocando quindi su una geometria semplice e approfittando delle parti concave e convesse, il padiglione appare come una scultura, rivestita di un cristallo nero che rimanda i riflessi dell’intorno. Gli snodi della struttura portante che si appoggiano al suolo e che sono lasciati a vista sottolineano la natura transitoria e leggera dell’intervento, ben diversa dalla profusione di cemento armato della massa alla quale si avvicina: si tratta quasi di un gesto di punteggiatura, che introduce un’idea di gentilezza rivolta ai cittadini. Il padiglione appare come una scultura, rivestita di un cristallo nero che rimanda i riflessi dell’intorno.

13 Marzo 2018 0 commenti

Architecture Design Green Lifestyle Travel

Victoria and Albert Museum Dundee: apre il museo progettato da Kengo Kuma in Scozia

Vietato definirlo solo “museo”. In apertura il prossimo 15 settembre, il V&A Museum of Design Dundee – segnalato da Artribune tra gli edifici più attesi dell’anno su scala internazionale – sarà un centro dedicato al design di respiro internazionale, con una mission culturale ambiziosa, lo sguardo puntato sulla scena emergente e la volontà di rinsaldare l’identità scozzese, trainando la comunità locale verso una nuova stagione. Un’operazione da 80 milioni di sterline – cifra comprensiva degli oneri per la nuova edificazione e per l’allestimento – che è stata concepita a grande distanza dalla vivace, ma a tratti fagocitante, capitale del Regno Unito. Il colosso V&A, fin qui rimasto saldamente ancorato alla dimensione londinese, impegnandosi anche in recenti processi di rinnovamento – il nuovo Exhibition Road Quarter, su progetto dello studio AL_ A, è stato presentato solo lo scorso giugno – ha infatti deciso di fare rotta su Dundee. Bagnata dal Mare del Nord, la quarta città per numero di abitanti della Scozia è determinata a scrollarsi di dosso l’appellativo di “poor cousin to Glasgow and Edinburgh”, come riporta, senza tanti giri di parole, il sito dedicato alla sua promozione turistica. “Dalle ceneri del suo passato industriale”, Dundee gioca ora la carta della rinascita, affidando, proprio come avvenuto a Bilbao venti anni fa, a un grande nome del panorama architettonico globale la più importante delle opere intraprese. Sarà vera gloria? Eletta nel 2014 UNESCO City of Design, più di recente la città scozzese ha ottenuto la consacrazione del Wall Street Journal con l’inserimento nella lista Worldwide Hot Destinations in 2018.

IL PROGETTO ARCHITETTONICO

“La mia ispirazione parte sempre dal luogo in cui il progetto sarà realizzato”, ha ricordato l’architetto Kengo Kuma commentando questo progetto che sancisce il suo debutto nel Regno Unito, dieci anni dopo l’apertura della sede europea del suo studio, a Parigi. Impegnato in patria in alcuni dei principali interventi in vista di Tokyo 2020, tra cui il chiacchieratissimo stadio, a Dundee ha concepito un “salotto per la città“. Vincitore del concorso internazionale indetto negli anni scorsi, attraverso questo edificio intende evocare l’andamento frastagliato e scenografico delle scogliere della costa orientale scozzese. Ritmato all’esterno da setti curvi in calcestruzzo, rivestiti da 2.500 pannelli in pietra grezza, il V&A Dundee dispone di tre livelli fuori terra; dei complessivi 8.000 metri quadrati, 1.650 saranno destinati alle funzioni espositive. Innalzato sulla foce del fiume Tay, l’edificio costituisce il fiore all’occhiello del piano trentennale da 1 miliardo di sterline finalizzato alla completa trasformazione dello storico lungomare cittadino.

OMAGGIO A CHARLES RENNIE MACKINTOSH A 150 ANNI DALLA NASCITA

“In soli otto mesi apriremo le porte e daremo il benvenuto ai nostri primi visitatori. V&A Dundee è destinato a essere una nuova e vitale realtà culturale per Dundee, il Regno Unito e oltre, contribuendo a cambiare la comprensione di quanto sia importante il design e la creatività per la vita delle persone“, ha sottolineato il direttore Philip Long in occasione dell’annuncio della data di apertura. Oltre a un robusto palinsesto di mostre temporanee, l’istituzione disporrà di una collezione permanente focalizzata sul racconto della secolare storia di innovazione e creatività della Scozia. Accessibili gratuitamente, le Scottish Design Galleries costituiranno il cuore dell’offerta espositiva, svelando un patrimonio creativo multiforme, con opere legate a epoche distinte: dalle ceramiche ai videogame; dai tessuti agli arredi; dai gioielli alla moda; dall’architettura alle applicazioni sanitarie del design, solo per citare alcuni dei settori trattati. Spazio anche all’architetto e designer scozzese Charles Rennie Mackintosh: restaurata in tutte le sue parti, la sua Oak Room, progettata nel 1907 per una sala da tè a Glasgow, sarà interamente ricostruita all’interno del V&A Dundee.

ARTE CONTEMPORANEA E TRANSATLANTICI PER L’APERTURA

Viaggerà da Londra, dove inaugura il prossimo 3 febbraio, a Dundee Ocean Liners: Speed & Style, la mostra che ripercorrerà l’epoca d’oro dei viaggi in transatlantico, dando vita a un’indagine a tutto campo sulla progettazione nautica. Aperta al V&A Dundee dal 15 settembre al 24 febbraio 2019, attraverso dipinti, sculture, documenti fotografici, maquette, manufatti tessili, mobili, poster, film – irrinunciabile la presenza delle pellicole dedicate all’epopea del Titanic – la mostra ricostruirà una vicenda affascinante dal punto di vista ingegneristico e architettonico, divenuta anche un fenomeno di costume. Le opere selezionate saranno presentate in Europa per la prima volta, offrendo un quadro delle evoluzioni del viaggio lungo le rotte oceaniche nel periodo compreso dalla metà del XIX secolo e il XX secolo. Come nella vocazione del V&A Dundee, in questa narrazione un ruolo centrale sarà assegnato al contributo della Scozia, con un’attenzione per gli sforzi profusi nella progettazione e nello sviluppo dei transatlantici. Sempre in occasione dell’opening, è stata annunciata la presentazione di un’opera affidata all’artista Ciara Phillips, tra i candidati al Turner Prize 2014, poi conferito all’irlandese Duncan Campbell.

12 Febbraio 2018 0 commenti

Architecture Design Green Lifestyle Travel

BERLINO, L’INSTALLAZIONE CHE STA TENENDO TUTTI COL NASO ALL’INSÙ E IL FIATO… SOSPESO

Wurf IV è la quarta installazione del duo danese-tedesco delle artiste Anna Borgman e Candy Lenk che ha per protagonista l’enigmatico sasso

Ricordate il termosifone gigante costruito all’interno di una chiesa di Berlino senza il tetto? L’installazione si chiamava Radiator, e la firmava la coppia visionaria formata dal duo danese-tedesco di Anna Borgman e Candy Lenk. Oggi le artiste stupiscono con un nuovo progetto sensazionale e straniante: Wurf IV, un enorme macigno largo ben 2.5 metri e sospeso a un’altezza di 25 contro la facciata di un alto edificio a più piani, nel complesso residenziale di Berlin – Marzhan. Immortalata nell’istante prima di un catastrofico impatto, l’opera ci costringe a contemplare, col naso all’insù e il fiato sospeso, la sensazione di disastro inevitabile che monta dentro di noi. Là dove, come spiegano le artiste, “il dolore è già percettibile”.

“La pietra è ambigua per la sua forma e origine, colpisce la casa, l’abitazione che conosciamo bene come il nostro corpo”. Un attacco al nostro sentimento di integrità da parte di una forza selvaggia fermata nella sua veloce corsa. L’intenzione è quella di ritrarre l’attimo prima della “peripeteia”, quel momento drammaturgico in cui nella tragedia greca tutto cambiava all’improvviso, spesso in peggio. D’altra parte, anche la parola “catastrofe” deriva dal mondo della tragedia ateniese, di cui rappresentava l’ultimo atto.

Quanto al titolo, perché Wurf IV? Perché questo di Borgman e Lenk è il quarto di una serie di massi scagliati contro la nostra quotidianità apollinea, geometrica, confortevole.

8 Gennaio 2018 0 commenti

Architecture Design Lifestyle Travel

L’arte a misura di parete con Wallpepper

La carta da parati è cambiata e con WallPepper diventa un mezzo per creare immagini grandi, coinvolgenti, uniche da vivere ogni giorno, portando sulle pareti echi di monumenti, decorazioni e affreschi passati alla storia, richiami a elementi materici e mondi lontani, eleganti trompe l’oeil e atmosfere tropicali. La composizione della carta da parati in fibre tessili, agave e cellulosa, completamente priva di PVC e stampata con inchiostri ecologici, diventa oggi un supporto “green” che può interpretare, di volta in volta, differenti tendenze.

Le molteplici suggestioni che hanno guidato il team creativo nella progettazione dei soggetti unici del catalogo 2017 troveranno per la prima volta espressione ad Ambiente, la manifestazione fieristica di riferimento per l’oggettistica e per la decorazione della casa in programma a Francoforte dal 10 al 14 febbraio. Debutteranno così, nello stand WallPepper le migliori grafiche delle collezioni Trend-Line, arricchite da un’inedita modalità di utilizzo che le rende protagoniste anche delle superfici orizzontali.
Il trattamento con WallSilk®TR, protettivo tricomponente grazie al quale i prodotti WallPepper diventano calpestabili, assicura infatti la possibilità di decorare il pavimento con carta da parati, creando una sorprendente continuità spaziale o, al contrario, un piacevole contrasto di immagini eterogenee. La casa può essere quindi avvolta dall’eleganza delle boiserie della linea “Classic”, dalla preziosità dei marmi di “Monochrome”, dal simbolismo orientale di “Silk Way”, dalle prospettive di “Grand Tour”, dagli ingranaggi di “Postmodern” o, infine, dalla rigogliosa vegetazione tropicale di “Tropikos” per tramutarsi in uno scrigno tridimensionale di immagini.

4 Dicembre 2017 0 commenti

Design Lifestyle Travel

Una mostra al Museo Dalì di St. Petersburg racconta il rapporto tra Salvador Dalì e Elsa Schiaparelli. Due visionari a confronto

Dal 18 ottobre 2017 fino al 14 gennaio 2018 a St. Petersburg in Florida la mostra Dalí & Schiaparelli fa il punto sulla collaborazione con Salvador Dalì, il surrealista per eccellenza che, forse più di altri, ha collaborato con la creatrice di moda disegnando tessuti, abiti, accessori.

Nel panorama della moda del Novecento, Elsa Schiaparelli è una grande incognita caratterizzata da un metodo di lavoro a contatto con la comunità artistica del suo periodo che era inusuale all’epoca ma è ancora del tutto impraticabile oggi. Nel 2003 la mostra Shocking! The Art and Fashion of Elsa Schiaparelli al Philadelphia Museum of Art (il museo che possiede la più grande collezione di archivio dei suoi abiti) ha sollevato il velo sulla sua espressione di moda che, più che una citazione o un omaggio dell’arte del suo periodo, è stata una collaborazione a pieno titolo con gli artisti del Surrealismo che negli stessi anni erano i protagonisti della scena, soprattutto a Parigi. Dal 18 ottobre 2017 fino al 14 gennaio 2018 a St. Petersburg in Florida la mostra Dalí & Schiaparelli fa il punto sulla collaborazione con Salvador Dalì, il surrealista per eccellenza che, forse più di altri, ha collaborato con la creatrice di moda disegnando tessuti, abiti, accessori.

A lui, in particolar modo, si deve il disegno dell’aragosta che si può trovare sia su un abito da sera sia come manico di una vorsa. Sempre a Dalì si deve l’abito con i cassetti, che riprende la scultura Venere con i cassetti del 1936 (allusione ai “cassetti” della personalità di cui parlava Freud trasferita sulla Venere di Milo custodita al Louvre e presa dall’artista come ideale di bellezza). Sempre a Dalì si deve il famoso cappello con la scarpa mentre a Giacometti la Schiaparelli commissionò la gabbia di ingresso della sua boutique di place Vendôme e a Leanor Fini la famosa bottiglia sagomata a forma di busto femminile del profumo Shocking, come Meret Oppenheim è l’autrice del bracciale in metallo ricoperto di pelliccia, Jean Cocteau è l’autore del disegno sulla giacca del tailleur Tête de femme.

La mostra del museo Dalì di St. Petersbourg, organizzata in collaborazione con la Maison Schiaparelli e prestiti del museo di Philadelphia, analizza tutto il rapporto tra il pittore e le creatrice di moda, inserendo anche lavori interpretati da Bertrand Guyon, attuale direttore creativo del marchio, oggi di proprietà del gruppo di Diego Della Valle.

Elsa Schiaparelli, nata a Roma il 10 settembre 1890 in una famiglia di intellettuali piemontesi, tra cui lo zio Giovanni Virginio Schiaparelli, astronomo studioso di Marte, dopo varie vicissitudini e un matrimonio a Londra che finisce con un divorzio a New York, arriva a Parigi nel 1922 dove è ospite, con la figlia Gogo (che sarà la madre dell’attrice Marisa Berenson) di Gaby Picabia, la moglie del pittore dadaista Francis. Da qui inizia la sua storia tutt’altro che usuale: il contatto con l’ambiente artistico e l’amicizia con gli intellettuali che la porterà ad aprire la propria Maison nel 1934 e a essere la creatrice di moda più in vista del periodo tra le due guerre, generando l’invidia anche di Coco Chanel che non pronunciava mai il suo nome e la chiamava «l’italienne». Fino alla chiusura, nel 1954, dell’atelier che ha visto tante invenzioni che molti vogliono far culminare in una particolare tonalità di rosa che da allora si chiama “rosa shocking”.

20 Novembre 2017 0 commenti

Architecture Design Lifestyle Travel

Fendi apre la Festa del Cinema di Roma. Una mostra immersiva racconta la moda nei film

La moda nel cinema. Protagonista di una mostra a Roma, presso Palazzo della Civiltà Italiana è la Maison Fendi nel suo rapporto con la settima arte. L’appuntamento si svolge fino al 25 marzo 2018.

Fendi apre a Palazzo della Civiltà Italiana, nell’headquarter della maison all’Eur, (fino al 25 marzo 2018) la Festa del Cinema di Roma con una mostra, Fendi Studios, che racconta in chiave contemporanea la lunga storia che lega la maison romana al cinema. Si tratta di una storia importante anche perché, meglio di ogni altra, riesce a spiegare la vera natura della moda romana, le sue caratteristiche creative che non rientrano in schemi predefiniti di produzioni standardizzate perché frutto del lavoro preponderante di artigiani e artisti. Impossibile inserire la moda romana in un’unica definizione, alta moda o prét à porter, si parla di creazioni suggerite dalla convivenza fra moda e cinema che inizia già alla fine degli anni 30 quando apre Cinecittà. In quel momento iniziano a lavorare le sartorie che fanno sia i costumi di scena che gli abiti per le attrici, si genera un contesto che sopravvive nel dopoguerra, quando, alla fine degli anni ‘40, arrivano a Roma personaggi come le sorelle Fontana o le sorelle Allegri di Annamode. In quel periodo Fendi è già internazionale e si prepara ad essere l’interlocutore di un cinema raffinato e colto, come oggi lo è per l’arte, a realizzare quei capolavori capaci di tradurre le visioni di registi come Luchino Visconti, Federico Fellini, Mauro Bolognini fino ai contemporanei Sofia Coppola e Wes Anderson.

LE PAROLE DI SILVIA VENTURINI FENDI

Un percorso parallelo fra moda e costume; le due arti si nutrono a vicenda e portano il lavoro della maison che ha da sempre incarnato quel modello, oggi osannato, di altissimo artigianato, in una posizione internazionale. I meravigliosi laboratori di pellicceria della maison sono studi dove Piero Tosi, Gabriella Pescucci o Milena Canonero possono materializzare le loro idee come in uno studio d’artista, dove la creatività conta su esecuzioni perfette, su una capacità di inventare ogni abito, come fosse un costume di un personaggio: tutto questo è alla base dello story-telling che identifica il lusso contemporaneo. Così ne parla Silvia Venturini Fendi: “Il cinema è sempre stato importante nella nostra famiglia e nella nostra azienda. La Maison ha un rapporto molto stretto con Cinecittà. Le sorelle Fendi, protagoniste della scena creativa e artistica romana, hanno collaborato a progetti che oggi possono essere considerati rivoluzionari. Per costumisti del calibro di Piero Tosi e Milena Canonero, hanno creato pellicce e abiti per produzioni cinematografiche indimenticabili.

CINEMA E ARTE

“Abbiamo lavorato con i più importanti registi del passato e del presente, da Luchino Visconti a Wes Anderson, da Martin Scorsese a Giuseppe Tornatore, e siamo intenzionati a continuare. La mostra rappresenta un omaggio particolarmente innovativo a un rapporto basato sull’affinità e alimentato dal desiderio di sperimentare, raccontare storie e trasformare i sogni in realtà”, conclude. Questa ricerca di una visione nuova della storia è la chiave della mostra nella quale, grazie ad una serie di scene allestite come set, il visitatore diventa protagonista di un percorso interattivo: insieme alle produzioni iconiche della maison, lo accoglie una esperienza digitale unica. Un concetto espositivo fortemente comunicativo, nel quale i selfie dei visitatori diventano l’ultima regia fatta dal pubblico stesso che può usare le pellicce di Gwyneth Paltrow dei Tenenbaum, di Tilda Swinton di Grand Budapest Hotel, di Madonna in Evita e molte altre come sfondo reale dell’immaginario. Il percorso culmina in una vera sala cinematografica dove, in concomitanza con la mostra, saranno proiettati i film più significativi della storia di Fendi nel cinema. L’evento porta anche l’attenzione su quanto abbia da dire Roma in un momento di reinvenzione del sistema moda, un patrimonio che pochi luoghi possiedono e che deve essere messo a vantaggio del futuro della moda stessa.

2 Novembre 2017 0 commenti